épisodes juin 2021

Présentation de la série

Contexte de production et de diffusion

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Altered Carbon est une série télévisée de science-fiction américaine créée par Laeta Kalogridis. Elle est mise en ligne sur Netflix en 2018 pour la première saison et 2020 pour la seconde. A l’origine de la série, Carbone modifié (titre original : Altered Carbon) est d’abord un roman de Richard Morgan, publié au Royaume-Uni en 2002 et traduit en français en 2003, qui obtient le prix Philip-K.-Dick en 2004. Le roman oscille entre le polar noir, le techno-thriller et le cyberpunk et narre les aventures de Takeshi Kovacs sur la côte ouest des États-Unis à la fin du XXVe siècle, en abordant des thèmes tels que la séparation de l'âme et du corps, l'immortalité, l'identité ou encore la lutte des classes. Une des principales trouvailles de l'univers du roman réside dans le fait que dans cet avenir pas si lointain, la mort n’est plus définitive : la conscience et l'esprit humain (dont les souvenirs) sont digitalisés et stockés dans des « piles » qui peuvent être réimplantées dans n'importe quel autre corps, que l'on appelle « enveloppe ». L’humain est devenu immortel ou presque, puisqu’une personne peut tout de même toujours être tuée si sa pile est détruite.

Joel Silver — le producteur de la saga Matrix — avait acheté il y a plus de dix ans les droits de ce roman pour un projet d'adaptation filmé sans que cela ne débouche sur rien. La scénariste et productrice américaine Laeta Kalogridis (qui a notamment travaillé sur les films Avatar et Shutter Island) envisage de son côté dès 2002 d'adapter le roman en un long-métrage, mais elle est freinée par la complexité de l’œuvre ainsi que sa potentielle classification R-rated. 16 (Rated-R = Restricted : les mineurs doivent être accompagnés d'un adulte). Il faut attendre Netflix et sa commande d'adaptation au format série pour la télé en janvier 2016, pour que soit tourné l’épisode pilote réalisé par Miguel Sapochnik. Ce dernier a dans son CV plusieurs épisodes de séries telles Awake, Fringe, Dr House et Mind Games, mais aussi Game of Thrones.

Dans la première saison, le personnage principal Takeshi Kovacs est interprété par Joel Kinnaman, un comédien suédois que l’on avait vu auparavant dans Suicide Squad, l'adaptation de Millenium au cinéma, le remake de Robocop ou encore dans les séries House of cards et The Killing. Dès juillet 2018, la série est renouvelée pour une deuxième saison. Cette suite diffusée l’an dernier change en partie l'équipe puisque c'est désormais Anthony Mackie qui incarne Takeshi Kovacs pour des raisons de scénario. En août 2020, quelques mois après la diffusion de la deuxième saison, la série est officiellement annulée par Netflix en raison d’un coût de production trop élevé par rapport à son audience. 

Une campagne commerciale parisienne en immersion 

Dès son lancement, Netflix avait pourtant misé gros sur cette nouvelle série en voyant les choses en grand pour sa campagne de promotion. Citons un exemple au milieu du reste : en 2018 en France, ils louent en effet pendant une semaine un espace éphémère entièrement consacré à Altered Carbon en plein cœur du Marais, pour y créer une boutique « Altered Carbon », inaugurée le 25 janvier 2018 en présence des acteurs Joel Kinnaman, James Purefoy et Renée Elise Goldsberry. L’objectif affiché est de créer une brèche spatio-temporelle pour propulser les visiteurs en 2384 afin de les plonger totalement dans l'univers de la série.

Des journalistes ont bien sûr joué le jeu et donné dans la presse le compte-rendu de leur expérience. Après avoir été fouillé par un vigile, une jeune femme souriante, en blouse blanche accueillait le visiteur afin de l’informer qu’il est désormais possible de transférer sa mémoire et donc sa personnalité sur un disque qui sera ensuite inséré dans un nouveau corps à choisir dans un catalogue. Un vestiaire permet de laisser ses affaires pour pouvoir choisir plus aisément son nouveau corps, avec aux murs des affiches aux slogans évocateur « Changez d’apparence », « Métamorphosez-vous », « Vivez éternellement » ou encore « Le corps est un produit ».

Premier passage obligatoire : des techniciens prenaient le portrait du visiteur, qui allait alors rejoindre le catalogue composé de tous les corps-prospects de Netflix, et il fallait laisser son adresse email pour recevoir sa fiche, avec indication de la durée de vie restante. Ensuite, au sous-sol de la boutique, un 2ème atelier permettait de se faire guider par une conseillère pour choisir le nouveau corps souhaité parmi quelques profils très stéréotypés. Cette session comportait une étape en « Réalité Augmentée sous Kinect », afin d’observer l’expressivité de son nouveau visage, avant de remplir le bon de commande. Le nouveau corps attendrait ensuite que le visiteur vienne le récupérer… le 2 février 2384 !

Il était également possible de se faire prendre en photo au milieu des housses d’enveloppe, voire même à l’intérieur de l’une d’entre elles. Pour implanter la conscience dans l'enveloppe corporelle d'un autre, les « chercheurs » proposaient en effet tout simplement au visiteur de s’allonger et de se faire dans une housse à zip (comme celle utilisée pour ranger ses vêtements !). On se retrouvait placé en position fœtale, un masque à oxygène placé non loin, pendant une trentaine de secondes le temps que l'appareil photo, accroché au plafond, puisse immortaliser l’instant. De l’aveu de ceux qui l’ont testée, cette expérience d’enfermement provoquait une angoisse mortelle, en dépit de la présence d’une bouche d'aération parfaitement visible. Un retour sur expérience qui n’est pas sans provoquer une fascination à l’égard de cet univers posthumaniste. 

Résumé saison 1:

La trame principale de la première saison se déroule en 2384, dans une ville futuriste : Bay City. En résumé, dans un futur où les humains peuvent transférer leur esprit d'un corps à l'autre, un rebelle est ramené à la vie 250 ans après sa mort pour résoudre le meurtre de l'homme le plus riche du monde, en échange de sa liberté.

Takeshi Kovacs est en effet un ancien soldat et seul survivant d’un groupe de guerriers d'élite, les Diplos, vaincus lors d’un soulèvement contre le nouvel ordre mondial. Son esprit est mis en « prison » pendant des siècles, jusqu’à ce que Laurens Bancroft, un homme extrêmement riche et vivant depuis plusieurs siècles lui offre la chance de vivre à nouveau. Takeshi Kovacs se réveille dans un corps qui n'est pas le sien, mais celui d’Elias Ryker, un ancien officier de la police de Bay City, et en échange, Kovacs doit résoudre un meurtre... celui de Bancroft lui-même. Ce Bancroft est un Math : les « Maths » (en allusion à Mathusalem) sont les membres les plus riches de la population qui utilisent des clones comme enveloppes pour vivre pour toujours dans le même corps, et stockent régulièrement les données de leurs piles à l'extérieur pour avoir une sauvegarde en cas de problème. Une vie éternelle garantie en quelque sorte. 

A leur opposé, dans cet univers, la religion Néo-catholique est opposée au réenveloppement, persuadée que cela va à l'encontre du salut de l'âme. Les néo-catholiques et de nombreux autres groupes religieux appliquent un codage religieux à leur pile corticale, ce qui les empêche d'être réenveloppés après leur mort. Face à cela, la proposition 653 est un projet de loi présenté par le Protectorat interstellaire des Nations Unies qui permettrait à toute victime de meurtre ou victime présumée de meurtre d'être réenveloppée afin d'identifier et de témoigner contre son meurtrier, indépendamment de son code religieux. L'adoption de ce projet de loi a été considérée comme une menace par de nombreux criminels. 

C’est d’ailleurs cette Proposition 653 qui a mené Elias Ryker en prison 250 plus tôt. Une de ses amies d’enfance, Mary Lou Henchy, s’est soi-disant suicidée mais Ryker est persuadé qu’il s’agit d’un crime maquillé qu’il va chercher à élucider. Il est près de découvrir un trafic organisé par une certaine Reileen Kawahara consistant à appliquer des codes religieux aux victimes de meurtre pour couvrir ses crimes et ceux d'autres riches Maths afin qu’ils ne puissent être résolus. Reileen Kawahara sentant le danger d'être démasquée, a fait accuser de meurtre Ryker qui fut placé dans la glace. Au début de la série, son enveloppe est achetée par Laurens Bancroft pour revêtir Takeshi Kovacs lorsqu’il le réveille avant qu’il n’ait fini de purger sa peine prison.

Dans sa quête pour la vérité, Kovacs va faire des découvertes surprenantes :

- il croise la route de Poe, une intelligence artificielle qui gère l'hôtel dans lequel il réside (et au passage un des personnages les plus attachants de la série)

- il rencontre Kristin Ortega, officière de police et ancienne petite amie d'Elias Ryker : en colère, elle enquête au départ pour son propre compte pour protéger au mieux l’enveloppe de celui qu’elle aime. Elle et Kovacs vont au final travailler en binôme pour résoudre le « meurtre » de Bancroft.

- il retrouve la fameuse Reileen Kawahara, sa soeur qu’il croyait morte dans un accident d’avion avec Quellcrist Falconer l’amour de sa vie. Devenue une Math, elle a mis en place « La Tête dans les nuages », un lieu de prostitution où les plus riches peuvent s’adonner à des plaisirs charnels jusqu’au plus glauques et pervers qui soient.

- il comprend aussi qui a tenté de nuire à Bancroft. Ce dernier a entretenu une relation avec une prostituée qu’il a mis enceinte. Lorsque sa femme Miriam le découvre, elle contacte Reileen Kawahara pour se débarrasser de la jeune femme. Celle-ci lui demande en échange d’empoisonner son mari. En effet, sous l’effet de la drogue, Bancroft tue par accident l’une des prostituées de Reileen, un crime dont cette dernière se sert afin de lui faire du chantage afin qu’il vote contre la Proposition 653 annoncée par le Protectorat. Réalisant tout le mal qu’il a fait, Bancroft se donne la mort. À son réveil dans sa nouvelle enveloppe, il ne sait pas qu’il s’est suicidé et, persuadé d’être la cible d’un meurtrier, il sort Takeshi de son sommeil pour qu’il mène l’enquête.

- A la fin de la 1ère saison, Takeshi est contraint de tuer Reileen (juste après qu’elle lui avoue être la meurtrière de Quellcrist, qui n’est cependant pas morte de la vraie mort) et il réussit à prouver non seulement que Bancroft n'a pas été assassiné mais qu'il s'est suicidé pour oublier l’acte immonde qu'il a commis, mais aussi que Ryker est innocent et doit être libéré. Kovacs est quant à lui gracié et va alors rendre l’enveloppe d’Elias Ryker à Kristin Ortega avant de reprendre sa route et une nouvelle mission : retrouver son amour perdu

La déception face à la saison 2 

L’arc narratif qui entourait Quellcrist Falconer dans l'intrigue de la 1ère saison est en effet primordial dans la saison 2. Surnommée Quell, elle était la leader d'un ancien mouvement révolutionnaire (les « quellistes ») qui visait à mettre fin à la folie de l'immortalité, et dont Takeshi Kovacs a fait partie en plus d'avoir eu une relation amoureuse avec elle. Un dessein malheureusement avorté par la sœur de Kovacs, Reileen, qui l'a assassinée… tout en sauvant sa pile qu’elle cache quelque part dans l'espace.

Dans cette histoire prenant place 30 ans après l’affaire Bancroft, Takeshi Kovacs a changé d’enveloppe. C’est désormais en effet Anthony Mackie qui « enfile » le rôle principal. (On le connaît entre autres pour plusieurs rôles de la franchise Marvel dans Ant-Man, Avengers ou encore Captain America).

Pour un certain nombre de fans (dont nous sommes !) le résultat n’a malheureusement pas été à la hauteur des attentes nées à l’issue de la 1ère saison. Alors que la question du changement de corps n’aurait justement pas dû impacter la perception du personnage de Kovacs (dans n monde où on semble pouvoir changer d’enveloppe comme de chemise !) Anthony Mackie prend le relais, mais avec moins de brio que Kinnaman. 

Les vrais problèmes résident cependant dans le scénario et la mise en scène. Il n’y a plus d’énigme policière qui soutienne le récit personnel, et l’histoire se concentre sur le passé de Kovacs et de sa bien-aimée retrouvée, dans une réflexion mystico- pataphysique (comme aurait dit Alfred Jarry) sur les origines de la Terre. Pourtant conçue par la même réalisatrice (Laeta Kalogridis) que la saison 1, cette saison 2 peine à trouver sa voie entre des scènes de combat à répétition qui ne parviennent selon nous pas à remédier à la pauvreté du script.

En revanche, en avril 2020, Netflix a mis en ligne un spin-off "anime" intitulé Altered Carbon: Resleeved, qui se concentre sur Kovacs, qui est embauché pour protéger une jeune tatoueuse nommée Holly tout en enquêtant sur la mort d’un patron local de Yakuza. Cet « anime » de qualité permet de renouer avec plaisir avec la série "version" première saison.

En tout état de cause, cette seconde saison n’apporte rien de plus par rapport aux sujets qui nous ont particulièrement intéressés en tant qu’historiens spécialisés, à savoir le rapport au corps et aux apparences, les costumes et l’armement. 

L’héritage de Blade Runner… et des autres : 

Lorsque sort la saison 1, la critique s’accorde pour voir dans Altered Carbon un véritable héritier de Blade Runner. Il faut dire que Richard Morgan est un auteur reconnu comme majeurs dans l’art du cyberpunk, et qu’il s’est vu récompensé du Philip K. Dick Award en 2003, justement pour son roman Carbone modifié. Il s’agissait évidemment de LA consécration pour un écrivain dont l’univers est ouvertement inspiré par l’œuvre de l’auteur américain devenu culte et qui a imaginé non seulement ceux de Blade Runner, mais aussi de Total Recall ou encore du Maître du haut château…

Tournée en 2017 dans les nouveaux studios de Skydance Media non loin de Vancouver, la série propose des décors, costumes et accessoires gigantesques qui entrainent le spectateur dans un monde nettement marqué par la nostalgie du Blade Runner de Ridley Scott (avec les ambiances nocturnes aux rues pluvieuses ou aux panoramas brumeux hantés par les hologrammes publicitaires, le trench-coat et la solitude renfrognée du héros, les voitures volantes, etc.) 

Intérêt de l’analyse de la série sous l’angle du rapport au corps entre apparences et armement

Dans le panorama que nous venons de brosser, au-delà du plaisir que nous avons pris à visionner cette série, plusieurs notions nous ont interpelés dans nos pratiques et nos recherches en histoire. 

Spécialiste de l’histoire du vêtement pour ma part, et de l’armement pour Nicolas, nous travaillons également sur le rapport au corps et la construction des apparences. Un jeu où entrent le physique, le vêtement mais aussi les accessoires et les « outils ».

Dans un univers tel que celui d’Altered Carbon où les scènes d’action tiennent une place importante, où on parle de forces policières et militaires et de crimes en tous genres, les armes et leurs utilisations tiennent incontestablement une place prépondérante et ne manquent pas de soulever un certain nombre de questions. Entre armes à feu d’un côté et armes blanches de l’autre, on y retrouve nécessairement des armes actuelles, ne disposant pas des vraies armes de l’an 2300 pour tourner ( !), et il y a quelques inventions tentées par la production à partir des propositions de l’auteur, sans que malheureusement l’essai ne soit transformé.

De même, alors qu’il est devenu possible de sauvegarder l’esprit et la conscience d’une personne dans une pile corticale que l’on peut en théorie réenvelopper à l’infini, la question des apparences prend toute son importance. On verra que dans cette cadre, la relation corps/vêtement est plus complexe qu’on y paraît, entre dictature sociale, identité futuriste et identité individuelle.

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1. La faiblesse des armes 

La « faiblesse des armes » est tiré d’une citation du livre, Kovacs se remémore une leçon d’une ancienne instructrice des diplos, Virginia Vidora, qui dit que le recours aux armes c’est aussi une faiblesse, c’est un outil pour les combattants mais qui ne doivent pas se sentir incomplet sans elles. Une façon de dire que le combattant est avant tout un soldat dans son mental. 

D’ailleurs le mental entraîné des soldats, et leur savoir-faire martial, comment s’adapte-t-il à un nouveau corps ? Leur anatomie change totalement et les membres ne se déplacent plus de la même façon s’ils sont plus courts ou plus musclés, si une ballerine se réincarne dans le corps d’un bodybuilder, comment sa mémoire va s’adapter à une nouvelle corporalité ? Ne faudrait-il pas une période de rééducation, comme lorsque le corps désapprend un savoir-faire, un savoir corporel et doit le reconquérir ? Si un champion de judo arrête de pratiquer pendant 20 ans, puis soudainement reprend les compétitions, il y aura un décalage entre son corps devenu faible et son mental. Le soldat réimplanté doit donc certainement vivre une période de réadaptation, à moins que le cortex du nouveau corps ne soit comme une antichambre et ne fasse ce travail, réduisant la puce à un disque dur externe ayant besoin d’un processeur, ce que ni l’auteur ni la série n’expliquent pas vraiment. Il en va de même pour les combats en armure finalement, on doit se battre avec une nouvelle géographie du corps, qui possède des protubérances où il n’avait rien, des rigidités là où il était souple, et même un poids total qu’il n’avait pas. Cela rend sûrement pataud et brutal, plus lent, et nécessite un entrainement spécifique. 

La faiblesse des armes est aussi une réalité des séries futuristes, qui doivent interpréter des visions littéraires déjà parfois affranchies de certaines réalités balistiques. Plusieurs armes sont devenues mythiques à l’écran tout en combinant des aspects techniques impossible ou dangereux, comme le blaster de l’inspecteur Deckard dans Blade Runner, combinant plusieurs armes, devenu trop lourd et inutilisable dans la réalité. Mais aussi le blaster de Han Solo, un Mauser 1896 affublé d’une lunette et d’un cache-flamme de mitrailleuse, deux personnages mythiques incarné par Harrison Ford et qui sont devenus culte ainsi que leurs armes que l’on retrouve dans les catalogues de nombreuses firmes de copies. Le revolver d’Hellboy, le fameux « Samaritain », n’y échappe pas et serait même dangereux à employer, en raison d’un barillet qui ne peut contenir la détonation des cartouches. 

Cependant, on ne peut pas dire que la série Altered Carbon soit faible de ce côté-là, la première saison est clairement plutôt une réussite côté flingue, et l’héritage et les références sont palpables, notamment à Blade Runner de Ridley Scott. Les avis des fans sont partagés, d’un côté le youtubeur Regelgorila adore et estime que le lien avec Blade Runner est bien dépassé et que l’univers est extrêmement riche et les scènes d’action extraordinaires, tandis que Nexus VI trouve au contraire que le design en est trop dépendant, sous influence. Les armes y foisonnent et des sites spécialisés comme le IMFDB s’en sont donné à cœur joie pour aller y déceler les armes connues. 

Mais pour les armes d’Altered Carbon, que cela soit dans l’œuvre littéraire, ou l’adaptation à l’écran, elles ne deviendront malheureusement pas iconiques, n’ayant pas fait l’objet d’une création fascinante comme d’autres œuvres. 

Tout comme Philip K. Dick, Morgan reprend le nom des firmes d’armureries d’aujourd’hui, ainsi que les systèmes de tir. Cela peut être vu comme un clin d’œil, il ne s’est pas exprimé à ce sujet, mais cela disparaît dans la série. 

Dès le début du livre, on prend conscience que les armes feront partie de l’univers. On est alors dans les années 2130-40. A la première page, alors que Kovacs est en état d’ « alerte chimique » (c’est à dire sous effet des neurachems) il décrit une arme posée sur un meuble, un pistolet « à éclat » Heckler & Koch qu’il qualifie d’une arme d’assassin, compacte, silencieuse. Il précise que sa compagne Sarah avait disposé les chargeurs à côté et les marquait d’adhésif vert pour les somnifères et noir pour le venin d’araignée. Le fabricant H&K produisait depuis les années 1970 plusieurs petits pistolets qui pourraient être des silhouettes pratiques pour des armes à fléchettes, comme le HK P7 ou le HK VP70, déjà célèbre comme l’arme de poing des marines d’Alien. Mais sans savoir si les fléchettes sont propulsées par des cartouches à poudre ou par des compressions d’air, la forme de l’arme peut sensiblement varier. Mais cette précision de pistolet à éclat laisse pensif, car cela ressemble plutôt à un effet futuristisant plutôt qu’une réalité technologique liée aux balles fléchettes. 

De son côté, Kovacs employait alors un gros Smith & Wesson argenté et des grenades hallucinogènes. 

Les hommes d’un commando font irruption dans l’appartement, une scène reprise dans la série et leur équipement est assez proche de celui de troupes d’assaut d’aujourd’hui. Les agents du commando utilisent des fusils mitrailleur kalachnikov courts, qui ont quelque chose de l’AK47 d’Elysium, conçue par Weta Workshop. Normal, c’est Weta aussi aux commandes du design des props et notamment des armes de la série. Les membres du groupe de combat ont des équipements « leur donnant l’air d’insectes » d’après ce qu’écrit l’auteur, un look peu exploité dans la série, que l’on va retrouver ensuite pour les armures des prétoriens, utilisant d’autres armes plus contemporaines. Leurs armes se comportent comme des fusils d’assaut modernes. 

Un passage dans le livre (p160-164) explicite quelques notions sur les armes, mais c’est l’un des rares. La série reprend ce moment et l’étire bien sûr un peu plus. Dans l’ensemble, pas beaucoup d’autres passages : Kovacs cherche des armes, se rend dans une armurerie (Larkin et Green, armuriers depuis 2203) et s’y présente avec la recommandation de Bancroft. La boutique présente des armes modernes (futuristes) mais aussi anciennes, comme des katanas anciens, et étranges, comme des armes en bois aux formes organiques. Elles sont fabriquées à la main, en hybrides de hêtre, par Kalashnikov Purdey et Beretta.

Après avoir expliqué ses volontés à un mandroïde, en évoquant son fameux Smith & Wesson 11mm magnum et pistolet à fléchettes Ingram 40, lance-particule Sunjet.

La cartouche du 44 Magnum a un calibre réel de 10,92 millimètres, ce qui correspondrait à son arme fétiche. Le Smith & Wesson 44 Mag est un revolver, et il est déjà mythique au cinéma car c’est l’arme de Dirty Harry. On ignore bien sûr à quoi ressemble sa version en 2130. L’arme tendue dans la même scène par sa compagne est un pistolet noir affublé d’une caisse avant, peut-être un kit tactique ou des rails de lampe ou de pointeur laser. En fait des pistolets Heckler & Koch Mk. 23 pour les deux protagonistes, pour des questions pratiques probablement. 

On lui présente Clive, une sorte de Q ingénieur en armes et qui lui montre deux armes possibles, suggérées par le droïde, un pistolet Nemesis VI (alias Nemex) et un pistolet Philips. 

Le Nemex promet rien que par son nom, emprunté à Nemesis la déesse de l’Antiquité grecque de la vengeance, mais le pistolet Philips évoque plutôt un rasoir électrique. 

D’après cet armurier, le Nemex, 2e série, est fabriqué sous licence Mannlicher-Schoenaeur, il tire une balle chemisée avec un propulseur spécifique Druck 31. Le chargeur a 18 cartouches. Il ne s’agit donc plus d’un revolver à barillet, mais d’un pistolet à chargeur. C’est impossible pour une arme de gros calibre d’avoir 18 coups, à moins d’avoir une extension de chargeur dépassant sous le talon de l’arme : un pistolet équivalent au 44 Mag est par exemple le Desert Eagle et il a de 7 à 8 coups d’autonomie. Pour augmenter le nombre de tir, il faut réduire le calibre, ce qui est possible bien sûr en 9mm, mais la puissance de feu n’est pas la même et un monstre comme le Nemex n’aurait pas d’utilité. 

Dans la série, Kovacs récupère cette arme d’un ennemi qui vient le braquer, le jumeau Dimitri qui utilise cette arme. On comprend par la suite qu’il s’agit du Nemex. Soit dit en passant, Nemesis est le nom de la divinité de la vengeance dans la mythologie grecque. 

Le choix de la production pour la série va se porter sur le design du Rhino, le successeur du revolver italien Mateba, célèbre dans le Manga Ghost in the Shell, pour être notamment utilisé par Seburo et Togusa. Le Rhino est abondamment utilisé au cinéma, dans le remake de Total Recall ou comme arme de poing d’Harley Quinn. Mais c’est un revolver à 6 coups et sur la version d’Altered, il n’a proprement pas de barillet, les champs latéraux sont plats, ce qui empêche toute utilisation technique de cette arme avec des cartouches. 

Le Pistolet Philips en acier plein, deux fois plus petit, est décrit dans le livre comme ayant un accélérateur magnétique, c’est un réel système balistique mis au point au XIXe siècle et qui voulait exploiter le potentiel électromagnétique, mais qui n’a jamais dépassé le stade de prototypes malgré une puissance évident, mais son coût en était prohibitif. C’est peut-être l’une des réelles technologies qui sera développée dans le futur, grâce à la miniaturisation, en disposant des systèmes électroniques à l’intérieur même des projectiles. 

L’armurier le présente comme étant « précis à 20 mètres », ce qui n’est en réalité pas extraordinaire comme performance. Des batteries permettent de tirer de 50 à 60 décharges pour un chargeur de 10 projectiles. Il n’y a pas de recul, en raison de l’absence de détonation, et l’arme possède une option d’inversion de champ sur le générateur pour récupérer les projectiles sur la cible. Cette particularité va être exploitée par la série, qui va en faire l’objet de plusieurs scènes, c’est une vraie trouvaille. En revanche, l’arme est passée d’un petit calibre à une grosse pièce, en étant dotée d’un second canon sous le talon, à l’image du pistolet-phaser de Star-Lord des Gardiens de la Galaxie. 

Dans le livre, il n’y a pas de séance de tir d’essayage car Clive lui explique que les joujoux sont livrés avec des disques d’exercices. Dans la série où le beau magasin a disparu et se retrouve remplacé par un atelier crasseux à moitié clandestin. Kovacs va y performer des tirs où on comprend la spécificité du Philips. Les flingues sont fournis avec des gaines fibergrip à enzymes collantes aux vêtements (livre), ce qui ne sera pas vraiment exploité dans la série. 

Weta Workshop va fournir un grand nombre de pistolets non identifiés, produits à partir d’armes de tir à blanc ou d’armes airsoft en leur donnant un air vaguement futuriste. C’est un classique des productions SF. 

Concernant les armes blanches, on va du poignard Tebbit au sabre d’Highlander. Morgan dote Kovacs d’un couteau à l’armurerie où une dénommée Sheila le renseigne, il veut quelque chose de petit à lancer. Elle lui présente un couteau plat de 15 cm : un poignard Tebbit (peut-être un jeu ancien entre commando ?). C’est un poignard méchant d’après elle, réalisé en alliage d’acier au tantalum, avec sa gaine en toile de carbone, à neuroressort, pour le libérer à la demande. Il est parfait pour le lancer, à contrepoids silex dans le pommeau pour l’équilibre. Il possède un canal au centre de la lame avec des caractères complexes gravés, qui sont un codage d’armes biologiques, le canal étant rempli de C381, provoquant des composés cyanidés en contact avec l’hémoglobine. Cette spécificité sera utilisée notamment dans le combat final avec sa sœur. 

Reileen est souvent armée d’un katana ou d’un wakizachi, qui ne sont pas cités dans le livre, et soudainement dans le complexe de la tête dans les nuages, on aperçoit ses appartements privés où elle conserve une collection d’armes blanches. Parmi celles-ci, on voit un sabre japonais avec une poignée en ivoire sculptée à l’image des deux sabres des films et des séries Higlander, respectivement ceux de Connor et Duncan McLeod. Celui-ci est différent encore et on ne le voit pas en détail malheureusement. Il s’agit peut-être d’un clin d’œil ou d’une modif non utilisée. 

Au final, Altered carbon est bourré de référence cinématographique, nous avons cité le S&W de l’inspecteur Harry dans le livre, ainsi que l’allusion au chef d’œuvre de K Dick et de Ridley Scott à travers le Nemex fabriqué par Mannlicher, la firme dont l’arme de Deckard, joué par Harrison Ford comporte des morceaux de fusil de chasse. 

Mais la série explose les allusions : Chez l’armurier, on aperçoit sur un mur plusieurs armes de films, comme deux Bone Jacks et un "Beefeater" Smith & Wesson Model 610 de la trilogie Blade, le Taurus Model 85 de l’inspecteur Spooner's du film I Robot, un COP 357 Derringer de Blade Runner. 

Impossible de ne pas citer l’aspect « Western » de l’hôtel, ou Poe est armé d’un fusil à pompe Winchester 1894. Et bien sûr, l’allusion à Highlander est extrêmement intéressante surtout au regard du discours sur l’immortalité des Mathusalems. 

Transition

On peut dire que Weta Workshop a transformé l’essai, même si les ficelles restent un peu les mêmes que dans d’autres œuvres, Ghost in the Shell, Elysium et d’autres où on a déjà vu des designs similaires, mais on peut parler d’un certain ADN du studio. 

La déception est du côté potentiel culte du livre : l’arme mythique de Takeshi Kovacs est un sujet peu expliqué, ni exploité, qu’il s’agisse du S&W 44 ou du Nemex 2. Or, les armes rejoignent finalement l’idée de silhouette des personnages, car elles participent de le définir dans sa corporalité, y compris avec ses extensions martiales. Les héros de films apparaissent en effet fréquemment sur les images de promotions armés de leur pistolet favori, et ça participe d’ailleurs de l’aspect culte de ces objets. Un symptôme parlant : la production n’a pas lancé d’armes collectible, et ce sont les fans qui ont produit le Nemex en 3D pour du cosplay ou de la collection. Car posséder l’arme du héros, c’est en quelque sorte se rapprocher de son univers et de son corps.

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1. L’identité, coincée entre le corps et le vêtement 

Comme l’a dit Nicolas, la question des armes est importante en matière d’incarnation d’un personnage. L’arme est un accessoire quotidien pour Kovacs et bien d’autres, or l’accessoire, tout autant que le vêtement, « fait corps », il influence directement le corps et sa morphologie. Il devient une interface entre lui et son environnement physique et social, et fait déjà de la personne un être humain « augmenté » (avant même toutes les considérations actuelles autour du transhumanisme !!). En cela l’armement entre pleinement dans la logique plus générale du corps et des apparences. 

S’il est intéressant de se pencher sur l’apparence d’une personne physique, c’est qu’il s’agit d’un signe : à la fois un mode d’expression pour la personne qui paraît et une source d’informations pour celle qui la perçoit. C’est donc basiquement un élément incontournable de la relation à soi, mais aussi de la relation à l’autre.

1. La dictature sociale du corps-vêtement

Ce que nous présente en fait Altered Carbon, c’est une société qui a dépassé le jumelage corps/esprit dans l’accomplissement de ce qui semble être un fantasme transhumaniste. Qui ne rêverait pas en effet de voir son esprit survivre à son corps ? Or, ce qui peut sembler un rêve dans un monde idéal, devient rapidement un cauchemar dès qu’il est confronté à la trivialité de la nature humaine. On constate en effet que dans cet univers, le corps est dépeint comme une marchandise, soumise aux impératifs capitalistes dans une société où domine les lobbies militaires et d'affaires. Cette marchandise peut être louée, prêtée, vendue, ou tout simplement détruite et on considère comme archaïque l’idée qu’un corps serait naturellement lié à un esprit spécifique, et les corps sont désormais des enveloppes appartenant aux plus offrants. Le rapport à la corporéité est biaisé car le corps est défini d’emblée comme un objet non pas vivant mais servant simplement de support à la vie, interchangeable à volonté, tel un « costume ». A ce titre il est intéressant de souligner, par exemple, que Miriam la femme de Laurens Bancroft, a différentes enveloppes pour différents usages (dont celle boostées aux phéromones qu’elle utilise pour séduire Kovacs) : des enveloppes « personnalisées », qui deviennent juste des accessoires, comme un bijou, un costume ou une autre robe. C’est amusant dans cette perspective de se pencher sur le mot anglais pour désigner l’enveloppe corporelle dans Altered Carbon : « sleeve », un mot qui renvoie également au champ lexical vestimentaire. La « Sleeve » c’est la manche, un concept qui n’est pas sans ironie quand on pense que l’on peut changer de corps comme de chemise.

Mais le corps devenu vêtement de l’âme est du coup soumis aux mêmes dictats matériels que la mode. Cette possibilité du remplacement des corps, qui bouleverse clairement l’organisation de la société dans l’univers d’AlteredCarbon, et devrait libérer l’humanité de la tyrannie de la matière, devient en réalité (paradoxalement !) un outil d’asservissement capitaliste plus que de libération (ce qui se place bien sûr dans la tradition du cyberpunk). 

Bien que séparé de l’esprit, le corps n’en impose pas moins une tyrannie de plus en plus prégnante : il faut comprendre que dans la société d’Altered Carbon, l’accès au corps n’est plus un droit, c’est vu comme un confort et un avantage. Et seuls les moyens financiers permettent d’échapper à une fragmentation de l’identité (comme c’est le cas des Maths qui peuvent s’offrir des clones et donc garder leur enveloppe indéfiniment renouvelée). Pour ceux qui n’en ont pas les moyens, la pile corticale cristallise la discrimination par le corps.

Et pourtant, dans un univers où il est possible de se réenvelopper (ou d’être réenveloppé car ce n’est pas toujours de manière volontaire que l’on change de corps !) dans n’importe quel corps, peu importe l’âge ou le genre, le corps a perdu de sa profondeur. Il n’est en effet plus nécessaire pour faire l’expérience du monde, mais en plus il n’est même plus lié à la question de l’identité, qui peut désormais sauter de corps en corps. 

2. Le vêtement vecteur d’identité futuriste

Dans un monde comme celui d’Altered Carbon, ou le corps n’est plus vecteur d’identité, serait-ce alors au vêtement que ce rôle revient ? Dans l'histoire culturelles et sociale le vêtement fait corps et fait donc esprit (au cours de la Renaissance, on énonce en effet que l’apparence témoigne de l’essence de l’être) alors que dans la série, le corps ne fait plus l'esprit, il ne resterait donc que le vêtement pour réaliser l’identité de quelqu’un ? Cette question est d’autant plus intéressante à analyser s’agissant d’une œuvre audiovisuelle de fiction, un genre dans lequel la place des costumes est capital pour donner vie aux personnages. Et de fait, contrairement à un roman, où le lecteur va choisir ce qu’il visualise et avec quel détail il le fait, le cinéma oblige notre imaginaire à habiller à l’écran tous les personnages et dans toutes les circonstances narratives.

Anthony Mathé propose d’attribuer au corps 4 figures qui le définissent en tant qu’« enveloppe » : la forme, le filtre, le contenant et la surface d’inscription.

• La peau : la première enveloppe qui offre à l’individu une forme matérialise le corps dans l’espace, un filtre qui lui permet d’interagir avec son environnement, un contenant pour le sang et les tissus, et une surface sur laquelle s’imprime des traces endogène (réactions cutanées) et exogènes (bronzage, blessures)

• Le vêtement : la seconde enveloppe qui modifie (au sens de dispositif prothétique donc !) les figures du corps (cela peut aller du soutien-gorge aux épaulettes des vestes, en passant par le modèle du pantalon ou la hauteur des talons)

Et cette modélisation de la corporéité fait discours au quotidien, un état de fait que le cinéma va relayer et utiliser pour développer son propre discours : dans les années 1950, le cinéma hollywoodien a utilisé le T-shirt pour présenter des héros qui n’ont plus aucun besoin d’une sanction institutionnelle, et rendre visible la tension paradoxale entre aisance et névrose, charisme et désillusion, négligence et sensualité.

Dans cette perspective cinématographique, comment les humains s’habilleront-ils en 2384 ? Cette question, tout réalisateur se la pose quand il s’agit de matérialiser le monde de demain au cinéma. Il est d’ailleurs amusant de regarder aujourd’hui comment certaines œuvres audiovisuelles d’il y a quelques décennies ont imaginé notre période actuelle, comme dans Blade Runner qui se passait en 2019. Comme dans toute création, il n’y a jamais de rupture totale avec l’existant, on s’inspire incontestablement de ce qui a été. Ce qui reste commun à la fois aux films/séries et aux défilés, c’est que l’on va radicaliser le look sur lequel on s’appuie pour lui donner un caractère futuriste/décalé. La mode influence le cinéma tout comme le cinéma influence la mode, et selon Jean-Michel Bertrand, consultant à l’Institut français de la mode (IFM), ces longs métrages ont même impacté les tendances d’aujourd’hui puisque les costumiers peuvent être considéré comme des créateurs de mode dans la mesure où ils sont repris par tous les grands couturiers. On peut citer à titre d’exemple Mad Max qui inspire les blousons d’Hedi Slimane chez Saint Laurent ou encore Star Trek revisité par Gucci. Dans la tradition, les créateurs de costumes dans les films de science-fiction ont décrit et « designé » le futur comme étant utilitaire, uniforme et très clinique : on peut penser par exemple à Forbidden Planet (1956) ou 2001: A Space Odyssey (1968). Volontairement à l’opposé de Kubrick, dans Dark Star (1974), John Carpenter dépeint le voyage spatial comme une entreprise sale et crasseuse. En 1977, lorsque George Lucas fait habiller les « rebelles » de Star Wars il précise que l’histoire racontée s’est déroulée « il y a très, très longtemps », pour mieux associer les robes de samouraï inspirées de Kurosawa (pour les Jedi) et la mode très occidentale (et terrestre) de Han Solo. Larges épaulettes ou encore jupes serrées : le futur de Blade Runner de Ridley Scott se voulait quant à lui très « eighties » en même temps que « vintage ». Le film s’est d’ailleurs imposé comme un incontournable de la mode rétro-futuriste, mêlant avec succè les styles du glamour Hollywoodien des 40’s, de la femme fatale des 50’s et du punk des 80’s. Aujourd’hui, les films de science-fiction font par contre très souvent du look futuriste un style presque unisexe lié à des besoins de travail et/ou survie, et là on pensera à des films comme Divergente (2014) ou bien Hunger Games (2012). C’est d’ailleurs ce que véhicule aussi des œuvres majeures de la littérature d’anticipation comme 1984 ou Le Meilleur des Mondes. Rien de tout cela n’était souhaité par le « département costumes » d’Altered Carbon dans la manière dont on entendait y habiller le XXIVe siècle. 

Pour Altered Carbon, c’est Ann Foley qui est à l’œuvre. Elle a été costume designer pour plusieurs séries dans l'univers Marvel des Agents of Shield, mais qui a aussi travaillé comme costume designer assistant sur des films comme Star Trek into darkness, Terminator Renaissance, l'Agence tous risque, etc. Dans une interview elle déclare avoir dû mettre en œuvre plus de 2 000 costumes au cours de la série, et faire du sur mesure pour environ 500 pièces de costume. Elle avoue n’avoir parfois pas eu d'autre choix que de travailler avec des articles disponibles en prêt-à-porter dans les magasins, pour ensuite les modifier, en jouant avec les cols des chemises, les revers des vestes, etc. au point de les rendre méconnaissables. Ann Foley a également joué avec le genre de certains types de vêtements. Certains hommes portent ainsi des vêtements féminins, mais sans que nous puissions en être certains ou même choqués, tant ces vêtements de base ont été relookés et customisés.

Comme il se doit dans toute œuvre audiovisuelle, les vêtements imaginés par Ann Foley parlent directement au spectateur, matérialisant par exemple clairement les distinctions sociales. Les Maths sont habillés dans une palette très proche de celle des nuages : des matières transparentes et légères, des argentés, des dorés, des ivoires, des bleus clairs. Tandis que les classes sociales inférieures sont marquées par des teintes et des matières sombres et pesantes, symbolisant leur ancrage dans la réalité, leur ancrage au sol, loin du paradis des nuages. Ainsi Miriam Bancroft porte des robes transparentes, argent et or. Ce personnage se présente comme une déesse ou à tout le moins une impératrice dans l’univers de la série : elle domine sa caste, âgée de plusieurs centaines d’années. Les robes transparentes, avec des satins soyeux et des nuances d'or et d'argent, évoquent le luxe qui forme la pierre angulaire de son style, ce qui fonctionne également très bien avec son personnage de femme fatale confiante dans son pouvoir social. Foley a donc réalisé un design où les vêtements de son personnage sont comme des accessoires légers, purs et organiques pour symboliser sa place dans le ciel, à savoir au-dessus du commun des mortels. La déité de Miriam Bancroft s’incarne donc dans des robes à la grecque qui s’inspirent des toges, mais aussi dans des tailleurs-pantalons blancs et des bijoux géométriques surdimensionnés où tout symbolise la pureté.

Bien sûr, on ne s’étonnera pas qu’Ann Foley se réclame de Blade Runner ou Gattaca et leur utilisation du passé pour concevoir le futur, mais dans une interview elle déclare que le souhait principal était surtout que le look reste très terre à terre. Selon les créateurs, l’histoire se déroule en effet seulement 300 ans dans le futur (un futur où la mode n’est pas encore seulement utilitaire, uniforme et très clinique), ils souhaitaient que les gens puissent s'identifier aux vêtements, sans ressembler aux autres films de science-fiction. Des sites internet proposent même des costumes DIY de Kovacs ! L’idée véhiculée dans la promotion de ces produits, c’est de patienter en attendant la prochaine saison en endossant, non pas l’enveloppe, mais les vêtements de l’ancien Diplo. Cela va d’une gamme de répliques exactes des vêtements portés par les personnages de la série Altered Carbon à une sélection d’éléments vestimentaires dans le style, qui permettent, une fois associés et portés, de donner vie à la silhouette emblématique de Kovacs.

3. Le vêtement vecteur d’identité individuelle

Mais est-ce que l’habit fait le moine, et est-ce qu’en s’habillant en Takeshi Kovacs, au travers de son apparence, on s’approchera de son identité ?

L’apparence, c’est ce peut être saisi de façon instantanée par le regard : les traits du visage, mais également l’aspect visible du corps charnel dans son ensemble, la tenue vestimentaire et les accessoires que la personne porte (que ce soit un sac à main ou un « flingue » !). 

Cette idée nous renvoie directement à celle de l’ « habitus » : un mot qui en médecine désigne l’apparence générale du corps, du visage de qqn en tant qu'indication de son état de santé, et en sociologie la manière d'être d'un individu, liée à un groupe social et se manifestant dans son apparence physique : attitude, posture, gestuelle, mimique, voix, mais aussi vêtements et hygiène corporelle, aspect « civilisé ». 

Dans cette perspective, l'hybride acteur-personnage est en fait la combinaison d'un corps « authentique » et de son identité « construite ». L’acteur doit en effet quitter son « habitus » personnel bien réel pour incarner celui d’un individu de fiction.

Mais dans la perspective de l’univers de Carbone modifié, que devient donc l’habitus, cette incarnation pleine et entière de l’identité d’une personne, dans un univers où l’esprit peut s’incarner dans n’importe quel corps ? 

La série présentait d’ailleurs à ce titre un enjeu de taille : comment faire en sorte, au travers des costumes, de parvenir à donner l'impression que la même personne se trouve dans des corps différents ? Ainsi quand une des filles de Miriam Bancroft emprunte l’enveloppe de sa mère, la question était de savoir si elle gardait la même robe, les mêmes bijoux (et c’est d’ailleurs ce dernier détail subtil qui a été changé). Mais il revenait surtout à l’actrice de changer littéralement d’ « habitus » : de quitter l’incarnation de Miriam pour celle de sa fille, au travers d’un changement de posture, de maintien, de ton de voix, etc. suffisamment pour que le spectateur y comprenne quelque chose, mais assez subtilement pour que, dans le scénario, le personnage de Kovacs puisse être troublé et saisi par le doute. 

Cela rejoint les propos de la costumière Deborah Landis (qui a travaillé par exemple sur les Blues Brothers) qui estime que c'est le costume qui fait le personnage. Les costumes sont confectionnés ou modifiés à la fois pour s'adapter parfaitement au corps de l'acteur mais aussi soutenir l'illusion du personnage qu’il incarne. En 2384, comme au cinéma, le vêtement serait donc le seul vecteur d’identité valable.

Il suffit de prendre pour exemple le point culminant de la tenue de Kovacs lors de la première saison : son manteau, un trench coat au col montant, avec la ceinture de rigueur. Dessiné initialement en 1914 par Thomas Burberry pour l'armée, et historiquement porté dans les tranchées, ce type manteau est devenu un objet emblématique du cinéma, endossé autant par des personnages féminins que masculins. Et tout le monde se souvient de celui qu'endosse Humphrey Bogart dans Casablanca de Michael Curtiz (1942), faisant de lui un accessoire indispensable au portrait du héros de cinéma. 

Porté le devant du manteau ouvert, il participe à créer une tenue à la fois décontractée et formelle. La prestance décontractée qu'il incarne fait qu'il est souvent porté dans les polars par de fins limiers comme récemment Gary Oldman dans La Taupe (2012) de Thomas Alfredson. Dans les univers de science-fiction, il habille autant Néo dans Matrix que Richard Deckard (Harrison Ford) ou Joe (Ryan Gosling) dans les opus de Blade Runner. Il est maintenant également devenu iconique pour le personnage de Kovacs, et il est intéressant de noter d’ailleurs qu’un spot publicitaire est sorti en juillet 2020 pour des écouteurs destinés au « gaming », où l’univers d’Altered Carbon est largement évoqué, principalement à travers la silhouette du personnage principal des scènes filmées pour le spot. Ce trench coat non seulement rappelle à l’image combien l’intrigue s’inscrit dans le genre du polar noir, mais il fait en réalité de Kovacs un enquêteur à part entière.

A nos yeux de spectateur, le vêtement est donc bien ce qui « fait » le personnage. Tout cela n’est pas sans faire écho aux concepts énoncés à la Renaissance autour de la question des apparences : Erasme avait en effet formulé le postulat selon lequel « le vêtement est le corps du corps », la seconde enveloppe construisant la première dans un monde où le corps culture doit supplanter le corps nature pour participer pleinement à la construction du corps social. Cela rejoint le proverbe « L’habit fait le moine » : l’habit fabrique/crée le moine (n’importe quelle personne enfilant la bure va être pris pour un moine). Le vêtement, seconde enveloppe du corps, oscille alors entre révélation et dissimulation de l’être. 

Et la boucle est bouclée, et nous revenons finalement à l’idée rémanente qui vise à concevoir, dans Altered Carbon, le corps comme un vêtement. Ce n’est plus seulement la seconde enveloppe qui fait (ou ne fait pas) l’individu social dans son corps-culture, mais également son enveloppe charnelle (sa première enveloppe), qui va de ce fait elle aussi osciller entre dissimulation et révélation, autant que faire se peut selon le destin de chacun.

Éléments de conclusions 

On pourrait en parler des heures, vous l’aurez compris. Altered Carbon n’est pas qu’une série « fun » à regarder, c’est aussi une mine de réflexions à décliner. Des questions qui allient à la fois éthique et esthétique, théorie et pratique, ou encore conception et technique.

La question des corps, dans son rapport à lui-même, aux autres, mais aussi à son environnement est bien sûr au centre de l’univers créé par Richard Morgan, et on peut considérer que la série a su mettre en image bien des tensions autour de ce concept. On notera comme seul bémol, selon nous, l’échec d’Anthony Mackie à incarner l’ « habitus » de Takeshi Kovacs, alors que cela fonctionnait bien avec Joel Kinnaman (corps de Elias Ryker) et Will Yun Lee (corps original). Mais dans l’ensemble, la gestion des apparences (on pense ici à l’interprétation pleine d’humour de Matt Biedel dans le rôle de la grand-mère d’Ortega temporairement enveloppée dans le corps d’un tueur tatoué et piercé) est une réussite dans la série, qu’il s’agisse de l’acting (y compris dans les scènes d’action et de combat) ou du costuming.

En conclusion, la série Altered Carbon a été une belle surprise des productions récentes, à la fois d’une adaptation d’une œuvre littéraire et d’une œuvre originale en étant déclinée en série de cette façon. L’exercice narratif est assez réussi pour la première saison, moins pour la seconde qui mériterait tout un autre commentaire. Pour la culture matérielle des corps, du vêtement et de l’armement, c’est également une belle surprise car la série d’action présente de belles inventions, mais aussi des références pour l’œil averti à des degrés divers, servi par des acteurs au jeu très appréciables. Ce fut un vent de fraîcheur lors des premiers visionnages, comme un immense bonus DVD d’un univers à la Blade Runner mais enrichi et rendu assez indépendant au final, faut-il le préciser. Les armes et accessoires ne sont néanmoins pas devenues culte en dehors d’une petite communauté de fans, qui ont eux-mêmes produits leurs copies, à l’image du sac rose et arc-en-ciel à licorne de Kovacs dans lequel il va trimballer ses armes pendant un bon moment. Et ce malgré des inventions réelles, mais aussi des remplois d’objets déjà très (trop) signifiants dans d’autres œuvres. La puce corticale elle-même et le design dont Weta Workshop a au final assuré une bonne partie de la production, se place dans une tradition du genre bien assumée et assez réussie. On aurait aimé des développements et des spin-off, qu’heureusement le Manga a parfaitement accompli et mériterait à lui seul toute une analyse entre l’œuvre littéraire, le passif des deux saisons et la culture des armes dans la culture de laquelle il se réclame, avec justesse. En tout cas, Altered Carbon a du potentiel, son univers est devenu plus que palpable, et même pourrait servir de référence à son tour pour qualifier d’autres œuvres futuristes et mérite d’être cité en exemple comme d’un univers cohérent, riche et qui a du « corps ».

Bibliographie sélective :

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